Von Cubanacan auf die Straßen dieser Welt: Tomás, Brey und Bedia

– Von Virginia Alberdi Benitez –

In 1981 Eine Ausstellung im Internationalen Kunstzentrum in Havanna wurde zu einem Bezugspunkt in der Entwicklung der Bildsprache in Kuba. Titel: Band I, eine Gruppe von Malern¹ Versammlte Werke mit unterschiedlicher Ästhetik, die eine scheinbar paradoxe Haltung zeigen, um die Tendenzen der Zeit in den legitimierenden Kunstzentren in Europa und den Vereinigten Staaten und von ihnen zu erfragen, um die Identitäten von Kulturen der sogenannten Dritten Welt zu erkundigen.

Zehn Jahre später, Einige der international anerkannten Maler dieser Veranstaltung zogen in andere Länder, um dort zu leben und zu arbeiten. Sie waren nicht die Einzigen; Andere Schöpfer von aufeinanderfolgenden Beförderungen haben sich in den 90ern und in den ersten Jahren des 21. Jahrhunderts im Ausland niedergelassen. Einerseits, Die Verschlechterung der kubanischen Wirtschaft nach dem Fall der Sowjetunion und der sozialistischen Länder Osteuropa, und das Wiederaufleben der US -Feindseligkeit wirkte sich sehr negativ auf die Lebensqualität der Kubaner aus, und andererseits, Die aufkommende Positionierung der kubanischen Kunst auf dem Markt, beeinflusste sie, Migration als mögliche Alternative zu betrachten. Die Liste der Künstler, die in Kunstschulen ausgebildet sind, sowohl in kubanacanischen als auch in den Provinzkunstschulen, Das Leben und Arbeiten in verschiedenen Ländern wäre sehr lang, Daher und keine umständliche Auswahl treffen, Ich werde nur drei der erfolgreichsten und international anerkannten Künstler der künstlerischen Welt berücksichtigen.

Jedoch, Wir dürfen nicht absolut über die Bedingungen von vor und nach dieser Geschichte sein. Vor Band I gab es einige Ausstellungen, wie die in Cienfuegos in gehaltenen 1979 (Frisches Gemälde, Kunstgalerie in der 54. Straße, organisiert von Leandro Soto), und in Havanna in den ersten Monaten von 1981 (Gesund und lecker, In 23 j 12 Kunstzentrum), Und es gab auch die Auswirkungen des Bildungswerks der Kunstschulen, Besonders kubanakanische Kunstschule in den 60ern und 70ern.

Eine Unterrichtspraxis, die das strengste Training für technische Werkzeuge und die Ermutigung für das kostenlose kreative Denken kombinierte, wurde zuerst an der National School of Arty ausgeübt (Dieses hier) und später im höheren Institut für Kunst (IST EIN), gegründet an dem gleichen Ort in 1976. Die meisten Lehrer - insbesondere die am meisten erinnerten sich- waren diejenigen, die Einstellungen zur Erneuerung und Nichtkonformität bei den Studenten förderten. Wenn einer der Führer von Band I., Ricardo Brey, was wir später diskutieren werden, argumentiert, dass „mein Stil es zu denken“ ist, weil er diese Erfahrung aus seiner akademischen Initiation gelebt hat.

Wir müssen auch sagen, dass das Leben in anderen Ländern keine Pause mit den Ursprüngen oder der emotionalen Ordnung oder der professionellen Agenda für einige Mitglieder von Band I und anderen Künstlern beinhaltete, die später kamen. Viele von ihnen kommen und gehen zurück, Stellen Sie ihre Arbeiten in Havanna und anderen Orten Kubas aus, sind in Museen enthalten und repräsentieren die kubanische Kunst, wo immer sie sind.

Offensichtlich, Hierarchien sind wichtig für die soziale Anerkennung. Die erfolgreichste der Gruppe von Band I ist Tomás Sánchez. In 2013, Als Sothesbys die Sammlung des mexikanischen Tycoons Lorenzo Zambrano versteigerte, Präsident der Transnational Corporation Cemex, Sanchez 'Gemäldemediator und Laguna Econdida in der war bewerteten bei $653,000, über Werke der Meister der kubanischen Avantgarde der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Wilfredo Lam ($401,000) und Amelia Pelaez ($341,000).

Tomás lebt in Costa Rica in einer natürlichen Umgebung, wo er malt und fotografiert, verbringt aber Zeit in Kuba und den Vereinigten Staaten. Ursprünglich aus einem ländlichen Gebiet, Er wurde in einer Zuckerrohr -Produktion in der zentralen Region der Insel geboren, Er gehört zur ersten Generation von Künstlern, die in Kubanakaner ausgebildet sind.

Als er anfangs über seinen Wunsch, formal zu studieren, zu sprechen, wurde sein Vater nicht gemocht, WHO, Nach der Überzeugung eines Landsmanns seiner Zeit, wollte, dass er einen Handel hat, der das Leben für ihn erlauben würde, Er erhielt Unterstützung, als er nach Havanna umgezogen ist 6 Und dann fing er an, Bibliotheken zu besuchen, Museen und Galerien, und an der Akademie von San Alejandro registriert.

Es ist bekannt, dass zu dieser Zeit zu dieser Zeit, Mitte der 60er Jahre, Die Akademie war nicht gerade ein profitierter Ort der Avantgarde, Also machte Tomás den Sprung zur National School of Arts (Dieses hier). Die Lehrer, die er dort hatte: Felix Beltran, Pedro Alpizar und Adigio Benitez bei technischen Probanden und Sara Figueroa, Georgina Gainza, und Sergio Benvenuto in den theoretischen. Er erhielt indirekt Orientierung von Servando Cabrera Moreno. Aber der Hauptmentor dieser Jahre war Antonia Eiriz, Ñica, wie seine Anschütterungen sie nannten, Und sie begann ein Mythos der kubanischen Kunst zu werden. Ihr künstlerischer Diskurs, In den herzzerreißendsten Aspekt der neuen Figuration eingefügt, Der junge Künstler beeindruckte sehr, Bis zu dem Punkt, dass sein Auftritt in der Phase des öffentlichen Wissens durch Kompositionen klarer expressionistischer Zugehörigkeit gekennzeichnet war.

In seinem Repertoire of Images sind Landschaften am häufigsten. Er hat aber auch zwei weitere Hauptfächerbereiche, Kreuzigung und Müllsammler. Alle seine Arbeit zeigen sichtbare philosophische, mystische und ökologische Implikationen.

Wenn in der kubanischen Landschaftstradition, Auch in der technische Qualität auffällt, Ein bukolisches Sehen hatte sich zuvor vorhergesagt, In Tomas 'Arbeit gibt es eine Pause dieser Ansicht. Tatsächlich, sagte er: „Ich sage nie, dass ich eine kubanische Landschaft malen werde.“ Er ist nicht daran interessiert, sklavisch zu reproduzieren, was das Auge sieht, Aber was die Netzhaut fühlt, und dort unterscheidet sich er radikal von den hyperrealistischen und fotorealistischen Künstlern. Jede Arbeit, In seinem intrinsischen Ansatz widersetzt sich die realistischen Konventionen in eine andere Richtung. Der Maler ist nicht darauf beschränkt, die Natur nachzubilden, sondern besteht darauf, sie in Frage zu stellen; durch das Fortschreiten in sich, in einem authentischen und berührenden Akt der Selbstoffenbarung.

Dreimal konnte der Weg von Ricardo Brey veranschaulichen, Ein Mann aus Havanna, der seit mehr als zwei Jahrzehnten in Belgien lebt: Seine Auswahl, Teil der Dokumente in Kassel in zu sein 1992, was ihn für die internationale Kritik sichtbar machte; das persönliche Ausstellungsuniversum, das wurde für lange Monate in ausgestellt 2007 Im Stedelik Museum of Current Art (SCHMECKEN), Gent, gebildet durch tausend Zeichnungen, und Ausstellung, die er in das National Museum of Fine Arts in Havanna in Havanna brachte 2014, was seine Rückkehr nach Kuba markierte.

Mit dieser Ausstellung hat er sich nicht in der vergangenen Zeit wiedererlangt oder zeigen, wie viel von seiner Arbeit von heute abgelehnt wurde, aber die Bedenken, die ihn zu einem repräsentativen Beispiel für einen der eindrucksvollsten Trends der westlichen Kunst veranlasst haben, eine, die auf der konfliktiven Begegnung zwischen ererbter Rationalität und Erneuerung von Mythen läuft.

Kürzlich erklärte er in einem Interview: „Was nehmen Sie aus Ihrem Heimatland?? Ich habe kein Heimweh gebracht, Aber ich habe eine lange Antenne. In meiner Arbeit, Jetzt, wo ich nach zwanzig Jahren zurückgekehrt bin, Ich sage mir: ‚! Ich habe eine Realität erfunden, die hier arbeitete! ´ und meine Arbeit hat eine Evolution erfahren, weil, Obwohl ich einen relativen kommerziellen Erfolg hatte, der mir die totale kreative Unabhängigkeit ermöglicht hat, Mein Stil ist zu denken. Ich habe keinen Malstil. Ich habe keine Stilskulptur. Mein Stil ist zu denken. Ich finde, und während es weiter funktioniert und nicht in einer akademischen Sache versteinert wird, Ich werde ein Künstler sein, wie ich träume, in diesen Momenten zu sein. Das erlaubt mir, diese Flüssigkeit zu haben, Plasmazustand, in meiner Arbeitsweise. Und das, um organisch auf Empfindlichkeiten zu reagieren, die in der Umwelt existieren. “

Durch Band I angesprochen, Brey wurde lange bevor ein Bildungsumfeld gezogen, in dem dieses Fach die Unterstützung für die Entwicklung künstlerischer Fähigkeiten war. Aber auch seine Ausbildung wurde von einem Klima beeinflusst, in dem alles kritische Bewertung unterzogen wurde; Philosophie, Soziologie, Ästhetik, Politik, Utopien, die Beziehung zum Markt.

Ein weiterer Künstler der Band -I -Generation, mit einer florierenden Präsenz in internationalen Schaltungen, Besonders aus den Vereinigten Staaten, wo er lebt, Ist José Bedia. In den 70ern studierte er nacheinander an der Akademie von San Alejandro und dem Higher Institute of Art (IST EIN), wo er Teil des ersten Abschlusss in der Spezialität der Malerei auf Universitätsebene war.

Professor für Kunstgeschichte, Antonio Alejo, führte ihn dazu, präkolumbianische Kulturen Lateinamerikas und der Karibik zu studieren und die Realitäten der Ureinwohner in der westlichen Hemisphäre zu kennen. Diese Untersuchung würde die Vision des damaligen jungen Künstlers verändern, Bis zu dem Punkt, dass sowohl sein Gemälde als auch seine Einrichtungen von den 80ern bis heute durch einen anthropologischen Abdruck charakterisiert wurden.

Diese Ansicht wird durch eine Augenöffnungserfahrung bestätigt. Bedia im Februar 1985 erhielt ein Stipendium, Dank der guten Büros des renommierten Uruguayaner Luis Camnitzer am Old Westbury College, Teil der State University of New York. Er besuchte Museen, interessierte sich für die Werke von Keith Haring und Jean-Michel Basquiat und traf den Dichter der Cherokee Nation Jimi Durham, der eine Reise nach South Dakota erleichterte, um mit der Sioux -Community im Rosebud -Reservat in Kontakt zu kommen.

TheBediathatpresentinin Havanatwo probiert sich im Jahr 1982 qualifizierte die Auferlegung von Westernmodels zu den damaligen amerikanischen Völkern aus der Ankunft von Columbusto zu diesen Ländern, BecAmeehrediamuchmore begangene Ansichten der Anamse.

Sie können seine Gemälde im National Museum of Fine Arts in Havanna sowie in Institutionen in Los Angeles sehen, New York, Boston, Miami, Aachen, Berlin, Tel Aviv und Mexiko. Die Kosten seiner Arbeiten auf dem Markt sind seit den späten 90ern bis zum Ende des ersten Jahrzehnts des heutigen Jahrhunderts zugenommen.

Die Art und Weise, wie er seine Einführung in die Medien der Kunstlegitimisierung verwaltet hat - museums, Kunstgalerien und Sammlungen der industrialisierten Länder- verdiente das folgende Spiegelbild des kubanischen Kritikers Orlando Hernandez:

„Jedes Mal, wenn Bedia zu seinen Werken all diese reichhaltigen Wissenswesen bewegt und ‚traditionell‘ Kulturelle und ästhetische Erlebnisse, die er unfreiwillig mit der künstlichen Reaktivierung der westlichen Kunst zusammenarbeitet, Mit seiner symbolischen Wiederbelebung und seiner Schwäche weniger wahrnehmbar über die Vitalität und Kohärenz dieser nicht-westlichen ästhetischen Praktiken, aus denen seine Arbeit abgereist ist. So oder so, Was es Bedia ermöglicht, trotz dieser Konflikte und Dilemmata seine positive und optimistische Essenz zu behalten, ist das Vertrauen, dass wir irgendwann aufhören werden, die anderen zu sein, um wieder wir selbst zu sein. Nicht um die neuen Insassen des Zentrums zu werden, sondern zumindest den Ort zu erholen, der uns in der unendlichen Vielfalt der Weltkulturen entspricht „.