Duvier del Dago – Interview von Virginia Alberdi

Im ausführlichen Interview, Der renommierte kubanische bildende Künstler Duvier del Dago spricht über seine einzigartige und intellektuelle Kunst, die Inspirationen aus seiner Kindheit und frühen Ausbildung, und seine Erfahrungen im prominenten kubanischen Kunstkollektiv, DUPP-Galerie. Er betont in seiner Arbeit die Integration historischer Ereignisse und des kollektiven Gedächtnisses, zeigt, wie diese Elemente seine kreative Vision geprägt haben. Dagos jüngste Kunstausstellung in Zürich konzentriert sich auf die ethischen Auswirkungen der Drohnentechnologie auf die Gesellschaft, Er verkörpert seine anhaltende Faszination für das Zusammenspiel von Technologie und Natur. Die Show spiegelt Dagos Überzeugung wider, dass jeder Mensch in seinem eigenen historischen Moment Künstler ist, Dies verleiht seiner Vision der Welt noch mehr Tiefe.

 

DIE MEISTEN VON UNS SIND KÜNSTLEREINES HISTORICAL MOMENT

Die Werke von Duvier del Dago ragen in der kubanischen bildenden Kunstszene der ersten beiden Jahrzehnte des 21. Jahrhunderts heraus. Er ist ein junger Künstler, der, in relativ kurzer Zeit, has succeeded in articulating his own intelligent language, voller intellektueller Argumente, die sowohl für informierte Betrachter, die Kunst studiert haben, als auch für diejenigen, die zum ersten Mal eine Galerie betreten oder einem seiner Werke im öffentlichen Raum begegnen, verständlich sind. Die visuelle Wirkung seiner Arbeit basiert auf soliden Konzepten über die Kunst, die Duvier del Dago seit seiner Zeit an der Akademie entwickelt hat. Mit anderen Worten, wir stehen vor einem Künstler, bei dem Theorie und Praxis in einer kohärenten Übung artikuliert werden. Nichts ist passender, Dann, als dem Schöpfer zu erlauben, für sich selbst über seine Ausbildung zu sprechen, Motivation, und Herangehensweise.

Fangen wir ganz von vorne an. Gab es in Ihrer Kindheit ein Element der Kreativität??
Es gab jemanden, von dem ich glaube, dass er einen direkten Einfluss hatte. Das war Silvio Rojas, ein Freund und Arbeitskollege meines Vaters. Sie arbeiteten zusammen in der Abteilung für Topographie und Polygonalebenenprojekte der Zuckerfabrik „Chiquitico Fabre gat“ in Zulueta, die zentrale Region der Insel. Es war Silvio, der, Jahr für Jahr, aus 1982 durch 1991, entwarf die Karnevalswagen für die Nachbarn von La Loma in den Parrandas (Karneval) von Zulueta.

An den Wochenenden nahmen mich meine Eltern mit, wenn sie sich mit Silvio und seiner Frau trafen. Silvio erkannte gewisse Begabungen in mir, und zeigte mir heimlich die Projekte, da diese Arbeiten streng geheim gehalten wurden, um die Erwartungen an das beliebte Ereignis zu steigern. Ich habe von diesen Zeichnungen geträumt und dann, zu Hause, Ich habe Fragmente reproduziert und eigene Designs erstellt. Mein Vater nahm mich mit, um zuzusehen, wie in der Nachbarschaft mit dem Bau des Festwagens begonnen wurde, und das hatte offensichtlich einen großen Einfluss auf mich. Zu sehen, wie diese skulpturalen Stücke vom Plan bis hin zu echten Festwagen auf den Straßen verwirklicht wurden und an den Prozessionen teilnahmen, hat mir geholfen, meine zeichnerischen Fähigkeiten und mein räumliches Vorstellungsvermögen zu entwickeln, sowie einen ausgeprägten Pragmatismus bei der Arbeit mit unterschiedlichen Materialien und Maßstäben.

In 1990 Silvio beauftragte mich schließlich mit der Gestaltung eines Bootes für eine Floßfahrt mit dem Bild der Blauen Donau, und ich konnte es in den Parrandas dieses Jahres sehen. Es war sehr erfreulich. Diese Erfahrungen waren meine erste Schule.

Von Zulueta ging es nach Trinidad, eine Stadt am anderen Ende der zentralen Region der Insel, und dann zum Higher Institute of Art (IST EIN) in Havanna. Wie bist du dorthin gekommen??

Ich habe gelernt, dass es eine neue Kunstschule gibt („Oscar Fernández Morera“) war in Trinidad eröffnet worden und versuchte, Studenten in die zentrale Region des Landes zu locken. Auch wenn ich zuvor keine künstlerische Ausbildung hatte, Es gelang uns, meinen Namen aufzunehmen und ich wurde angenommen.

In diesem Moment kam mir Trinidad wie das Ende der Welt vor, Aber es war wirklich der Beginn eines Weges, der mich geformt und meine Perspektiven völlig verändert hat. Ich hatte in meinem Jahrgang hervorragende Lehrer und eine kleine Gruppe von neun Schülern, und alle waren stark auf das konzentriert, was sie erreichen wollten: um an der ISA in Havanna zu studieren.

Das Studium dort in dieser Zeit meines Lebens war für meine künstlerische Ausbildung von wesentlicher Bedeutung. Dort habe ich meine ersten Bücher gelesen, nahm an den ersten Gruppenausstellungen teil, und habe das technische Wissen, das ich heute habe, in mich aufgenommen. Ich hatte ausgezeichnete Lehrer, wie Jorge Luis Rodríguez, Luis Blanco Rusindo, Guillermo Duffay, Daniel Acebo, Ania Delphin, Arocha, Mario Guerra, Miguel Rodriguez, und Osvaldo Alomá, unter vielen anderen.

Der Eintritt in die ISA war der nächste Schritt. Sie können sich vorstellen, wie wichtig es für uns war, Ich komme von einer Schule außerhalb der Hauptstadt, um dieses Ziel zu erreichen. Havanna, mit seiner Kunstszene, wurde für diese kleine Gruppe aus Trinidad wie ein Klassenzimmer. Wir waren in eine überaus kulturelle Stadt gezogen, die uns mit anderen Kunstformen und interdisziplinären Projekten in Kontakt brachte. Durch den Kontakt mit wichtigen Künstlern und Professoren wie René Francisco Rodríguez hat uns ISA noch besser auf den konzeptionellen Aspekt und die vollständige Entwicklung eines persönlichen Stils vorbereitet, Eduardo Ponjuan, Lazaro Saavedra, Belkis Ayon, und Ramón Cabrera Salort, unter anderem.

1998 scheint ein wichtiges Datum in Ihrer Karriere gewesen zu sein.

In der Tat, 1998 war in meiner Karriere sehr wichtig. Ich war in meinem zweiten Jahr an der ISA. René Francisco war zurückgekehrt, um am Institut zu unterrichten, und ich hatte das Glück, an seinem Malunterricht teilnehmen zu dürfen. Wir hatten die Methode von Thomas McEvilley bereits im ersten Jahr studiert(Zur Art der Adressierung von Wolken, 1984) und wir waren an einem Punkt angelangt, an dem man als Künstler seinen persönlichen Diskurs gestalten musste, Kommunizieren Sie mit Ihrem eigenen Stil, und finden Sie den Weg zur Lösung Ihrer konzeptionellen Probleme.

Unsere Gruppe brachte Galería DUPP ins Leben (Aus einer pädagogischen Pragmatik – basierend auf pädagogischer Pragmatik)., Dies war eine weitere praktische Lehrmethode, die René Francisco zur Umsetzung von Gruppenprojekten organisierte, aber immer basierend auf der Individualität jedes einzelnen Schülers. Es war eine ewige Debatte mit René, der die Gruppenarbeit als weitreichendes Instrument befürwortete, während einige von uns in der Gruppe immer darauf bestanden, Teil einer „Gruppe von Einzelpersonen“ zu sein.

Glücklicherweise, Unser erstes Unterfangen im Rahmen von DUPP war ein Zyklus persönlicher Projekte. Diese Erfahrung war für mich tiefgreifend: Es war mein erster Versuch, im Duo mit Omar Moreno zu arbeiten (Omarito&Wille); in einer größeren Gruppe von elf Künstlern; Das erste Mal hatte ich ein Budget, um Werke zu produzieren; und das erste Mal, dass meine Arbeit öffentlich erscheinen sollte.

Wir haben hart gearbeitet. Wir haben eine Routine erstellt: Tagsüber lernen und nachts Werke im Rhythmus von Cuba Tonight produzieren (die Radiosendung von Radio Taíno) und Alternative-Rock-Kassetten. Diese Disziplin hat uns geholfen, ziemlich schnell voranzukommen.

Als Teil des Duos, Ich bezog Omarido in eine Untersuchung jener Volkstraditionen ein, mit denen ich seit meiner Kindheit vertraut war. Ich hatte bereits für die Ausstellung im ISA während der Sechsten Havanna-Biennale ein Stück präsentiert, das einen Bezug zur Populärkunst hatte (Vor dem Regen). Ich hatte drei Atlanten aus Pappmaché, die das Gewicht der Kuppeln der Galerie trugen.

Wie verlief Ihre künstlerische Entwicklung?? Ästhetisch, Was sollte Ihrer Meinung nach geändert werden??

Ich habe eine Flut von Veränderungen erlebt. In 2001 Omarito und ich haben das Duo Omarito aufgelöst&Duvier, um an der ISA als unabhängiger Künstler seinen Abschluss zu machen. Es bedeutete, wieder mit der Einzelarbeit anzufangen. In der Schule waren viele der Galería DUPP angeschlossen, Aber auch dieses Projekt begann zu zerfallen. Den Teil, der mich am meisten interessierte, habe ich vom Duo mit Omar Moreno übernommen (Bühnendekoration, Installationen und Zeichnung) während Omarito weiterhin das verfolgte, was er immer bevorzugt hatte (Digital- und Filmarbeiten).

Was ästhetische Lösungen betrifft, Als ich meinen Abschluss an der ISA machte, dachte ich nicht an Störungen oder Veränderungen. Aber ich habe eine Veränderung im institutionellen Engagement für bildende Kunst erwartet. Damals bewarb ich mich um viele Stipendien und internationale Aufenthalte. Eines der Dinge, die ich in der Landschaft der bildenden Künste in Kuba verändert sehen wollte, ist die Entstehung von Programmen zur Unterstützung von Werken und Projekten, Stipendien und Kunstresidenzen, was wir in der Mittel- und Oberstufe immer vermisst haben. In 2001 In Kuba gab es kein einziges Stipendium oder Aufenthalt für junge Künstler.

Erzählen Sie uns von Ihren Erfahrungen in der Galería DUPP.

DUPP hat mich auf viele Dinge vorbereitet: Projekte vorstellen, eine Ausstellung vorschlagen, mit Kollegen zusammenarbeiten, unter Verwendung verschiedener Installationsformen und visueller Lösungen, und Förderung und Dokumentation einer Veranstaltung (Denn ohne die Dokumentation eines Projekts gibt es keine Erinnerung). Ich habe auch gelernt, dass es ohne persönliche Vision und Engagement unwahrscheinlich ist, dass ein Gruppenkonzept entsteht. Ich denke, dass jedes Gruppenprojekt stark sein kann, solange die Beiträge seiner Mitglieder stark sind.

Galería DUPP war ein einmaliges Erlebnis. Es gab keine Möglichkeit, sich völlig darauf einzulassen. Wir wurden bessere Freunde, als wir ohnehin schon waren, und jeder von uns ist von dieser Zeit geprägt. René Francisco und Lidzie Alvisa öffneten uns ihr Zuhause als Hauptquartier außerhalb der ISA.

Ich lade Sie ein, einen Rückblick auf Ihre Arbeit zu werfen, basierend auf vier Einzelausstellungen: Mein bester Star ist kein Schauspieler, aber ein Spieler (Mein bester Star ist kein Schauspieler, sondern ein Spieler) (2001), Rückblende (2004), Memory Stick (2008) und Blackbox (Blackbox) (2009). Wie würden Sie Ihre Entwicklung in diesen Phasen definieren??

Mit der Präsentation meiner Abschlussarbeit in Galería 23 j 12 (mein bester Stern…) Ich habe versucht, mich als Künstler zu präsentieren, nicht mehr Teil des Omarito&Duvier-Duo oder der Galería DUPP-Gruppe.

In dem Projekt habe ich versucht, die traditionellen Protokolle zur Präsentation einer Abschlussarbeit zu zerstören, und das hat mir im konzeptionellen Teil sehr geholfen, sowie für mich selbst- Entdeckung. An erster Stelle, Hinzu kam, dass die Arbeit nicht vor dem Prüfungsausschuss besprochen wurde. Ich habe einen Entwurf vorbereitet, der von einem Schauspieler interpretiert wurde, dessen Aufgabe es war, alle meine formalen und konzeptionellen Anliegen gegenüber dem Kunstwerk zu vermitteln. Bei diesem Entwurf handelte es sich um ein Interview mit dieser androgynen Figur, das in einem echten Studio aufgenommen und vom lokalen Fernsehsender übertragen werden sollte. Auf diese Weise wäre es in der Galerie auf einem zur Ausstellung gehörenden Fernsehgerät zu sehen, und gleichzeitig an all den Orten, an denen dieser Kanal zum Zeitpunkt des Interviews eingestellt war. Das war meine ursprüngliche Idee.

Letztlich und nicht überraschend, Es war mir nicht gestattet, dies im nationalen Fernsehsender zu tun. Ich habe die Idee dann angepasst: Ich habe das Interview im Theater „El Ciervo Encantado“ der ISA aufgezeichnet, mit den beiden Schauspielern (der Spieler und der Journalist). Diese Aufzeichnung wurde während der Ausstellung übertragen. Darüber hinaus bot mir das ENEMA-Kollektiv die Möglichkeit an, den Entwurf als Comic zu veröffentlichen. Auf diese Weise wäre die Dissertation besser sichtbar als ein Dokument, das in einer Bibliotheksschublade eingeschlossen ist.

In dieser Ausstellung habe ich mit meinen ersten Zeichnungen auf Nylon im Dreidimensionalen experimentiert . Ich habe Strukturen hergestellt, an denen die Nylonschichten so hingen, dass die Überlagerung zwischen ihnen eine vorgegebene Figur vervollständigte. Dies war der Vorläufer eines großen Teils der Arbeit, die ich später entwickelte. Diese Zeichnungen wurden in der gesamten Galerie als Säulen ausgestellt, An den Wänden befanden sich ausgedehnte Zahlenkombinationen, die mit Fäden zweidimensionale Figuren bildeten. Diese Vitrine war mein erster Versuch mit Fadenskulpturen und, wenn auch erfolglos, Es war sehr wichtig für die Arbeit, die ich schaffen wollte.

Nach meinem Abschluss begann ich im Rahmen meines Sozialdienstes an der ISA zu unterrichten. Während dieser Zeit organisierte ich eine weitere Einzelausstellung: Rückblende in der Havana Gallery. Ich habe eine Vielzahl von Medien genutzt: Installation, Zeichnung, Leuchtkasten, und Skulptur. Der größte Erfolg war meine erste Installation mit Thread, was die Besucher beeindruckte.

Ich hatte viel Zeit damit verbracht, zu untersuchen, wie man Fadenskulpturen strickt, und eine Darstellung zweier einander zugewandter Rinderkiefer erstellt, wie in einem Dialog. Es ist mir gelungen, die Figuren mithilfe von Hilfslinien, die mit den Fäden selbst nachgezeichnet wurden, im Raum zu halten. Zu diesem Zeitpunkt war es mir immer noch nicht gelungen, die Zahlen hervorzuheben, so sah man ein weißes Gerüst, in dem die Kiefer ausgestreckt waren. Ich habe ein Kunstvideo hinzugefügt, das von einem innerhalb der Installation positionierten Fernseher gezeigt wurde. Es enthielt sechs oder sieben Videofragmente, in unterschiedlichen Rhythmen bearbeitet, so dass das Bild zeitweise verschwand und wieder auftauchte. Es war wie ein Gespräch mit Pausen der Stille und mehr oder weniger intensiven Dialogen. Das Video war eine notwendige Ergänzung, mit der ich danach weiter arbeitete, und als die Technologie sich weiterentwickelte, projizierte ich es direkt auf die Fadenstücke.

Zwischen Flashback und Memory Stick präsentierte ich die Einzelausstellung Espectador (Zuschauer, 2006) in der Servando-Galerie, wo ich die Technik der Fadenskulpturen verbessert habe. Im selben Jahr wurde ich zur offiziellen Ausstellung der neunten Havanna-Biennale eingeladen, wo ich die Installation Bungalow im Wassergraben von La Cabaña gebaut habe. Damit habe ich experimentiert, diese Art von Fadenstücken in großem Maßstab und im Außenbereich anzuwenden.

Die drei- Die Maßzeichnungsarbeiten hatten einen guten Reifegrad erreicht. Ich hatte bereits natürliche erstellt, architektonische und mechanische Figuren. Dann beschloss ich, Szenen aus Fotos meiner Familie zu rekonstruieren. Die Vitrine bestand aus Gemälden und drei gestrickten Installationen; Zwei von ihnen führten das Video wieder ein.

Zu diesem Zeitpunkt hatte ich bereits eine Möglichkeit gefunden, die Zeichnung auf den Hilfslinien mit ultraviolettem Licht hervorzuheben, bei der Reaktion mit dem weißen Faden, ermöglichte einen perfekten Blick auf die Silhouette. Was die Produktion betrifft, Es war eine Ausstellung, die alles hatte. Ich konnte die Galerie in Schwarz streichen, um die passende Umgebung zu schaffen, in der ich die beleuchteten Stücke zum ersten Mal zeigen konnte, und endlich den holografischen Effekt erzielen, den ich für meine Werke wollte. Memory Stick verstieß auch gegen die normalen Ausstellungszeiten in Havanna, denn die Vitrine blieb auch nach Ladenschluss beleuchtet und konnte die ganze Nacht durch die Schaufenster der Galerie besichtigt werden. Ich habe schwarze Vorhänge aufgehängt, um die Hallen tagsüber dunkel zu halten und den Blick auf die Stücke zu ermöglichen, wenn man sie nachts öffnet. Somit, Es hätte nicht nur einen „spektakuläreren“ Charakter, wenn man es aus vielen Blickwinkeln der überfüllten Ecke 23. und 12. betrachtet, aber es zog alle möglichen Leute an.

Die Teilnahme war ein voller Erfolg und legte den Grundstein für mein nächstes Projekt auf der zehnten Havanna-Biennale (2009), Blackbox (Blackbox). Die Darstellung eines F22 Raptor-Militärflugzeugs in Originalgröße bot die Gelegenheit, diese Technik im Freien zu testen, Außen- und öffentlichen Raum für einen Monat.

Geschichte und Erinnerung erscheinen als konstante Elemente in Ihrer künstlerischen Projektion, insbesondere in den letzten Jahren. Hängt das mit Ihrer persönlichen Identität zusammen?, mit den Anliegen Ihrer Generation, oder mit den besonderen Höhen und Tiefen Ihres Landes?

In den letzten Jahren habe ich in meiner Arbeit einen besonderen Schwerpunkt auf diese beiden Themen gelegt, die sich seit Flashback in entwickelt haben 2004.

Es betrifft alle drei Aspekte Ihrer Frage. Ich lebe die Gegenwart mit großer Intensität und halte sie daher für besonders wichtig. Was Sie in der Gegenwart tun, bestimmt, was Ihre Vergangenheit darstellt oder wie weit Sie in der Zukunft gehen können.

Wir sind eine von historischen Ereignissen durchdrungene Generation und leben in einem Land mit einer immer wieder erzählten Geschichte, sehr ereignisreiche und interessante Geschichte. Doch die Geschichten befriedigen nicht: Es gibt Räume der Stille und der Leere, die ebenso reich oder noch reicher sind als die, die innerhalb und außerhalb Kubas immer wiederkehren.

Was den Kontext betrifft, In Kuba passiert etwas Interessantes: Unsere tägliche Realität ist schwer zu beschreiben, man muss es leben, um es zu verstehen. Es gibt keine verlässliche Kontinuität, und häufig sehen wir uns selbst bei den trivialsten Alltagsaktivitäten zu übertriebenen Improvisationen gezwungen. Das macht uns alle zu Künstlern eines historischen Augenblicks.

Eines der Projekte, in denen diese konstanten Elemente am besten zum Ausdruck kommen, ist die Serie La Historia es de quien la cuenta (Die Geschichte gehört dem, der sie erzählt), an dem ich seitdem arbeite 2014. Ursprünglich konzentrierten sich die Charaktere auf das, was Kuba als soziales Umfeld umgab, politisches und wirtschaftliches Phänomen. Dann habe ich diese Themen auf die Figur „Die Republik“ übertragen., ein Instrument, mit dem ich weiterhin die neuen kontextuellen Umstände des Landes kommentieren würde.

Dieses Projekt ist mit zwei früheren Serien verknüpft, Staatsgeheimnis (Staatsgeheimnis) und politische Ikonographie (Politische Ikonographie), an denen ich gearbeitet hatte und die nie in Kuba ausgestellt wurden. Diese Zeit meiner malerischen und zeichnerischen Arbeit war besonders von Selbstzensur geprägt.

Sobald du gesagt hast, „Der offene Raum lässt einen von anderen Dingen träumen.“ Wie löst man die Dichotomie zwischen der in Galerien ausgestellten Kunst und der Kunst im öffentlichen Raum??

Ich interessiere mich wirklich viel mehr für den öffentlichen Raum, da sie nicht mit einem organisierten Kreis der bildenden Künste verbunden sind. Ich mag sie, weil mich die ursprüngliche Funktion des Gebäudes sehr interessiert, Quadrat, oder Handlung. Und obwohl es sich im eigentlichen Sinne um Galerien handelt, Nur wenige wurden ursprünglich mit dem Zweck gebaut, Ausstellungsräume zu werden. Im Allgemeinen, In einem bestehenden Raum entsteht eine Galerie, ein alter Laden, Wohnung, Schule, oder Hotel. Und ich liebe die Tatsache, dass der Ort selbst bereits ein zusätzliches Konzept hat, und dass, wenn die Ausstellung oder das Werk installiert wird, dieses Konzept reaktiviert werden kann oder ein neues entstehen kann.

Ein weiterer Aspekt, den der öffentliche Raum bietet, sind Zuschauer aller Art, ob sie Experten sind oder nicht. Bedauerlicherweise, Manchmal entsteht in der Galerie eine abgestandene Umgebung, die sowohl das Werk als auch den Künstler vorhersehbar macht. Das muss beseitigt werden, wenn wir wirklich eine aufrichtige Arbeit leisten wollen. Ähnlich, Es gibt Werke, die nur für einen Galerieraum geeignet sind. Die Wirksamkeit liegt darin, den Raum, in dem Sie ein Werk zeigen möchten, sehr sorgfältig auszuwählen, Und umgekehrt, bei der Erstellung der Arbeit unter Berücksichtigung des Raums.

Jeder erkennt, dass Sie ein ausgezeichneter Zeichner sind, sondern auch ein Künstler, der mit Installationen experimentiert. Ist das ein Paradoxon oder nicht??

Ja, es ist paradox. Viele Zuschauer, die mich wegen meiner „Fäden“ kennen, sind sich meiner zeichnerischen und malerischen Arbeit überhaupt nicht bewusst. Sie gehen davon aus, dass ich keine Kunst studiert habe, sondern Ingenieurwesen, Informatik, Architektur, oder Design, weil die visuelle Natur meiner Arbeit irgendwie mit diesen Disziplinen verknüpft ist. Viele Leute gehen davon aus, dass die Teile mit Gewinde aus einer Software stammen, in der ich sie in 3D forme, aber das ist nicht der Fall. Tatsächlich, Alles beginnt mit einer Zeichnung. Mein Interesse an Installationen mit Fäden entstand gerade deshalb, weil ich die Zeichnung in einer anderen Dimension platzieren wollte; halte es im Raum. Hinter diesen gestrickten Skulpturen stecken viele Stunden des Zeichnens. Als ich mit dem Bau begann, musste ich viele Berechnungen anstellen: wie viele Meter Faden? Wie viele Ringschrauben? Jetzt ist es viel einfacher, weil ich die Technik bereits kenne. Aber die Zeichnung ist immer noch da; Alles beginnt mit einer ersten Skizze, Der nächste Schritt ist ein Plan auf Millimeterpapier, Anschließend folgen die Muster mit den Schlüsselpunkten zum Weben der Figur. Für mich, Zeichnen ist für den Prozess unerlässlich.

Was werden Sie in Zürich zeigen?? Haben Sie Erwartungen??

Ich möchte Installationen und Zeichnungen zu einem Thema zusammenführen, das international große Kontroversen ausgelöst hat: Die Verwendung von zivilen Drohnen und den Normen für ihre Verwendung. Ich möchte die ethischen und moralischen Werte untersuchen, die von der unkontrollierten Verwendung dieser Technologie betroffen sind. Die Wirkung der Technologie auf den Menschen und die Natur ist eines der Themen, die in meiner Ausstellung widerspiegeln. Auf metaphorischer Ebene habe ich es mit der physischen Konfrontation zwischen natürlichen Elementen und Artefakten oder Kriegsmaschinen gelöst. Ich bin daran interessiert zu prüfen, wer wen kontrolliert, und mit welchen Methoden. Ich werde auch auf das Thema soziale Netzwerke eingehen.

Ich werde eine Frage umformulieren, die ich Ihnen zuvor gestellt habe. Wie schätzen Sie die zeitgenössische kubanische bildende Kunst ein?? Was soll sich ändern und wie sind Sie in diesen Veränderungsprozess eingebunden??

Gerade jetzt gibt es einen künstlerischen Kontext, in dem viele Künstler, mich eingeschlossen, Ich verstehe, dass die Lösung nicht darin bestand, kubanische Kunst aus der Ferne, sondern in Kuba zu machen. Viele derjenigen, die im Ausland lebten, kehrten zurück, wenn nicht, um dauerhaft zu bleiben, zumindest ihre Präsenz auf der Havanna-Biennale oder bei Einzel- und Gruppenprojekten auf der Insel verstärken. Eigentlich, Die aktuelle Situation ist wirklich nicht gut, Aber als Künstler werden wir immer versuchen, Arbeit zu produzieren. Andererseits, Es gibt keine Kreativität, bei der alle Bedürfnisse erfüllt werden.

Ich denke, eine Möglichkeit, sich zu engagieren, besteht gerade darin, aktiv zu bleiben und zu versuchen, Arbeiten aufrechtzuerhalten, die beim Betrachter Fragen aufwerfen. Vorerst habe ich vor, als Lehrer an die ISA zurückzukehren. Ich werde versuchen, so gut wie möglich zu führen, sei es durch Unterricht oder meine eigene Arbeit. Ich war zehn Jahre lang Lehrer an der ISA (2001 -2011), Und es ist erfreulich, etwas über junge Künstler zu erfahren, die erfolgreich sind, und zu wissen, dass man an diesem Prozess beteiligt war, wenn auch nur mit einem Ratschlag.

Virginia Alberdi, Havanna, April 2017