Onay Rosquet
Interview von Virginia Alberdi – Havanna, Dezember 2016
ONAY ROSQUET – SELBSTPORTRÄT
Junge Menschen nehmen in der zeitgenössischen kubanischen Kunst eine herausragende Stellung ein; Sie sind die Avantgarde in den verschiedenen Ausdrucksformen der Kunst und tendieren dazu, an allen möglichen Trends teilzunehmen. Onay Rosquets Werk, das sich zunächst auf Figuren und später auf Objekte konzentrierte, die er in seinen Zeichnungen und Gemälden sorgfältig reproduzierte, erregt auf außergewöhnliche Weise Aufmerksamkeit. In seiner ersten Serie über Objekte wirkten sie einsam, verlassen, aber voller Nostalgie, die viel über sie verriet. Derzeit, der junge Maler, durch die Darstellung von Objektansammlungen, konstruiert Geschichten, indem er die Objekte in einen neuen Kontext arrangiert. Diese Sammlungen sind kein Zufall; Sie sind das Ergebnis eines sinnlichen und intellektuellen Auswahlprozesses seines affektiven Gedächtnisses.
Der Künstler folgt weder Gruppen noch Trends, Er folgt weder vorgefassten Richtlinien noch den Verordnungen des Kunstmarktes und richtet sich nicht nach den Präferenzen der Branchen, die den Verlauf der künstlerischen Tätigkeit bestimmen. Onay produziert nicht, Er erschafft, und die Ergebnisse dieser Kreationen unterscheiden ihn von seinen Kollegen. Er geht sogar so weit, eine Fabel zu artikulieren, einen Geisteszustand vermitteln, einen Moment hervorrufen, während es sich indirekt auf soziale Spannungen und Ereignisse bezieht. Ein lobenswertes Verdienst von ihm ist es, einen Blick auf eine Welt der Elemente zu werfen, die aus ihrer stillen Präsenz von selbst spricht. All dies gelingt durch sorgfältige Umsetzung, denn er scheut keine Strenge bei der Reproduktion dieser Welt, die er auf die Leinwand überträgt und in raffinierte Kunst verwandelt.
Wie kam er zu einem solchen Vorschlag?? Wie hat er nach und nach eine eigene Stimme gefunden, die es ihm ermöglicht, mitzuteilen, was er wollte?? Dieses aktuelle Interview bietet einige wertvolle Klarstellungen.
Wie entstand Ihre Berufung zum Zeichnen und Malen??
Als Kind habe ich gern gezeichnet; Ich habe versucht, Objekte und Personen zu kopieren, Dinge, die mich umgaben. Mir hat es auch gefallen, wenn andere gezeichnet haben, vor allem, wenn sie es taten, um mich zu amüsieren. Ich fühlte mich definitiv mehr zum Zeichnen hingezogen als andere Kinder. In meinem Fall, mit dem Lauf der Zeit, Es war kein Hobby mehr, sondern ein Bedürfnis. Ich fühlte mich so sehr zum Zeichnen und Malen gedrängt, dass es Teil meiner persönlichen Identität wurde. Dann, nach und nach, mit der Arbeit und anderen Elementen, die meine Ausbildung beeinflusst haben, Es wurde nach und nach ein Beruf. Ich habe künstlerische Bezüge in der Familie, aber nicht im Zusammenhang mit bildender Kunst. Meine Familie beschäftigte sich nicht mit der Welt der Malerei, Und, wie ich bereits erwähnt habe, Ich habe mich für Zeichnen und Malen entschieden, weil es mich begeisterte. Natürlich, Meine Familie hat mich immer unterstützt und meine Entscheidungen gebilligt; Das ist sehr wichtig im Leben eines Künstlers, vor allem am Anfang, wenn in den meisten Fällen fast alles sehr schwierig ist.
Was waren Ihre ersten beruflichen Erfahrungen in der Kunst??
Ich begann mit dem Malen von Porträts, beeinflusst von der niederländischen Schule des 17. Jahrhunderts. Rembrandt war der Künstler, der meine Aufmerksamkeit am meisten auf sich zog, Seine Farbpalette war sehr grau und dunkel, Meine Kenntnisse der Kunstgeschichte waren damals sehr unvollständig. Mein Leben erhielt eine Wende, als ich anfing, in der zu arbeiten Zeitgenössische Grafikwerkstatt (Studio für zeitgenössische Grafik), da ich ein autodidaktischer Künstler war. Dort hatte ich zum ersten Mal die Möglichkeit, die verschiedenen Gravurtechniken wie den Siebdruck zu erlernen, Lithografie, Collographie, und Kalkographie. Es war auch meine erste Gelegenheit, Menschen kennenzulernen, die meine Interessen teilten. Ich habe sehr gute Freunde gefunden; Ständig diskutierten wir darüber, wie man einen Farbton erzielt oder ob man an Gruppenausstellungen teilnimmt. Wir diskutierten oft über zeitgenössische Kunstveranstaltungen und ich hatte das Gefühl, dass ich an einen solchen Ort gehörte. Dadurch begann ich mich nach und nach für die Arbeit mehrerer bereits etablierter kubanischer Künstler zu interessieren, die immer noch aktiv sind, wie Roberto Fabelo wegen seiner außergewöhnlichen Zeichnung und Tomás Sánchez, besonders in seiner Serie Mülldeponien (Mülldeponien); Letzteres sollte einen besonderen Einfluss auf meine Arbeit haben. Von da an begann ich, mich zu organisieren und in Serien zu arbeiten, als Disziplin. In dieser Zeit habe ich meine erste Ausstellung gemacht, berechtigt Casting, und ein zweites, altes Gold (Altes Gold), ohne meine Aktivitäten tagsüber im Studio zu unterbrechen. Abends habe ich zu Hause gemalt und war weder müde noch überfordert, weil mir gefiel, was ich tat.
Welche Themen haben Sie an der Kunst interessiert?? In deinem Fall, Können wir von einer Entwicklung seit Ihrer ersten Ausstellung sprechen??
Casting war eine Porträtgalerie; Darin habe ich Figuren aus den Medien nachgebaut, Musiker, Fernsehmoderatoren, Personen, die die Öffentlichkeit identifizieren konnte. Meine Idee war, sie in Ölgemälden wie Figuren aus einem anderen Jahrhundert darzustellen, mit Kleidung aus dieser Zeit und, Natürlich, die Atmosphäre von Gemälden aus früheren Jahrhunderten. Alles in allem gesehen, das Werk schien eine Sequenz aus einem Theaterstück zu sein, und das Ergebnis hat mir wirklich gefallen. Dann, an einem Punkt, Das Porträt entsprach nicht mehr meinen Erwartungen an die Malerei, Also beschloss ich, mich mit dem Thema Objekte auseinanderzusetzen. Aus dieser Idee entstand altes Gold (Altes Gold), eine Ausstellung, in der ich großformatige, mit der Zeit verfallene Objekte porträtierte, rostig und schlecht behandelt, aber würdig, mit dem Zweck, an ihre frühere Nützlichkeit zu erinnern. Eines der Stücke, Schlüssel auf der Leinwand (Schlüssel auf der Leinwand), war dort fehl am Platz, aber es führte mich zu einem anderen Thema: Die Ansammlung von Objekten. Ich habe lange Zeit damit verbracht, fast zwei Jahre, Malen und Organisieren meiner Ideen, bevor ich ein anderes Projekt in Angriff nahm. Wie jemand, der Dinge nicht will (Vorgetäuschte Gleichgültigkeit) entstand in 2016, Eine Vitrine, in der ich meine künstlerische Berufung anerkannte und in der ich die Ansammlungen von Objekten konkreter und zugleich umfangreicher und detaillierter präsentierte. In dieser Ausstellung habe ich mich – neben Ölgemälden – erstmals auch in die Welt der Installationen gewagt, etwas, was zehn Jahre zuvor aufgrund meiner damaligen Denkweise unmöglich gewesen wäre.
Wenn ich auf die Wege zurückblicke, die ich gegangen bin, um das zu erreichen, was ich heute tue, bereue ich nichts. Im Gegenteil, Ich habe das Gefühl, dass ich immer getan habe, was ich sollte und konnte. Ich sehe in mir selbst eine Entwicklung, die in keiner Weise durch die Modetrends, die kommen und gehen, aufgezwungen wurde, noch durch die Versuchungen des Marktes. Ich denke, dass dies zum Teil auf meine Art und Weise und auf meine ständige Suche nach Anregungen für meine Schöpfung zurückzuführen ist. Leider hatte ich keinen Mentor, dem ich folgen konnte und der mich zu Ausgangspunkten hätte führen können. Ich habe meine Lehrer und Einflüsse oft in Büchern oder Museen gefunden, und auf diesen baute ich nach und nach meine eigene Identität auf.
Inwieweit ist Ihre Obsession mit Objekten eine nostalgische Anspielung?? Wie nehmen Sie den Lauf der Zeit als Thema für Gemälde an??
Angesichts jedes einzelnen Objekts, das ich male, ist ein nostalgisches Gefühl unvermeidlich, Sie fungieren als Vorbilder und helfen mir sehr dabei, das zu komponieren und darzustellen, was ich möchte. Man kann sagen, dass sie sehr viel Ausdruck in sich bergen. Wenn diese Kaffeemaschinen, alte Kleiderbügel, Waschmaschinen und Fans könnten sprechen, wir verbrachten viel Zeit damit, ihnen zuzuhören. Die nostalgische und stimmungsvolle Atmosphäre, die solche Objekte umgibt, lässt die Menschen vor ihnen stehen, identifizieren sich mit ihnen und beginnen eine Art Dialog mit ihrer Erinnerung, Sie rekonstruieren ihre eigenen Geschichten, die nicht unbedingt diejenigen sind, die ich zu zeigen versucht habe. Das ist für mich etwas sehr Positives.
Mit welcher Zielgruppe identifizieren Sie sich?? Berücksichtigen Sie beim Malen den Betrachter??
Ich denke, dass die Kunstform meiner Arbeit einem sehr unterschiedlichen Publikum zugänglich ist, Kubaner und Nichtkubaner, Männer und Frauen, Erwachsene und Jugendliche. Ich habe die Ansammlung von Objekten nicht erfunden; Viele kubanische Künstler, die ich bewundere, haben sich irgendwann oder in einigen ihrer Werke mit dem Thema befasst; zum Beispiel Pedro Pablo Oliva, Nelson Domínguez und Tomás Sánchez. Mit anderen Worten, Das Thema ist nicht weit von meinen Wurzeln entfernt. Aber eine Sache ist es, beeinflusst zu werden und eine andere, Kopist zu sein. Ich denke, es ist mir gelungen, diese Räume abzugrenzen. Ohne mich an eine Geschichte gebunden zu fühlen, habe ich daran gearbeitet, mein eigenes Siegel als Künstler zu schaffen. Es gibt eine zusätzliche Inspirationsquelle, die berücksichtigt werden muss. Während das 21. Jahrhundert voranschreitet, Der Konsumismus ist stärker geworden, ebenso der Gedächtnisverlust. Objekte zu malen, die uns nützlich waren, ist eine Form, das Bewusstsein für das Vergehen der Zeit zurückzugewinnen, zu wissen, was wir waren, um zu wissen, was wir sind. Es ist ein Thema, das über die bildende Kunst hinausgeht.
Erzählen Sie mir von den inneren Aspekten des kreativen Prozesses. Wo steht das Zeichnen in Ihrer Arbeit??
Das Zeichnen war schon immer die Grundlage der Malerei. Ich beginne ein neues Gemälde, indem ich eine neue Idee visualisiere – die Komposition und die Objekte, die ich verwenden werde – in meinem Kopf, Im nächsten Schritt zeichne ich. Dieser Prozess kann nicht beschleunigt werden, es braucht die Zeit, die es braucht. Jeder Fehler in dieser ersten Phase wird schwer zu verbergen sein, Deshalb widme ich ihm viel Aufmerksamkeit. Nach Fertigstellung der Zeichnung auf Leinwand, Ich weiß, wie das Werk in seiner tatsächlichen Größe aussehen wird und kann ruhig schlafen.
Der nächste Schritt ist das Malen. Die Öltechnik ist diejenige, mit der ich immer gearbeitet habe und mit der ich mich am wohlsten fühle. Ich denke, dass die Magie und Wärme des Öls mit keiner anderen Technik erreicht werden kann; Wobei man – wie immer – gute Materialien verwenden und wissen muss, wie man sie verwendet. Ich male fast jeden Tag, vom Morgen bis zum späten Nachmittag, manchmal bis in die Nacht, Aber nach zwei oder mehr Stunden Malen gehe ich gerne weg und betrachte das Gemälde aus der Ferne, Ich nehme mir Zeit zum Beobachten und Nachdenken. Manchmal höre ich auf zu malen und vergesse das Stück, und nachts, wenn ich es sehe, Mir fallen Dinge auf, die ich vorher nicht gesehen habe, und korrigiere sie, weil die Farben auf der Palette noch frisch sind; das ist nur mit Ölmalerei möglich. Ich glaube, meine Liebe zum Öl kann nicht gebrochen werden.
Wie ähneln Sie den Künstlern Ihrer Generation oder unterscheiden sich von ihnen??
Junge Kunst zeichnet sich dadurch aus, dass sie Avantgarde sein will, eine Kunst in voller Blüte. Es sind fast immer die jungen Leute wie wir, die am meisten Ausstellungen machen wollen, um zu zeigen, was wir sagen oder tun können. Wir haben heißes Blut. Natürlich, Das ist mein persönlicher Standpunkt und steht nicht im Widerspruch zu den Grundsätzen, denen ich gefolgt bin. Ich setze mich für gute Leistungen ein, zum ästhetisch einwandfreien, bis ins kleinste Detail. Ich weiß nicht, ob mich diese Wahrnehmung von meinen Zeitgenossen unterscheidet oder ob ich einfach anders über die Bilder denke, die ich mache. Vielleicht denken einige von ihnen, dass meine Arbeit konservativer sei, weil ich dem Zeichen- und Malhandwerk einen hohen Stellenwert beimisse. So bin ich, und es macht mir sehr viel Spaß. Man sollte tun, was man will und fühlt; zum Beispiel, Im Moment könnte ich eine abstrakte oder konzeptuelle Arbeit machen und ich würde sicherlich eine Leere verspüren, als ob ich mir etwas vormachen würde. Vielleicht ändert sich das in fünf oder zehn Jahren. Niemand bleibt statisch. Ich muss mir also keine Sorgen machen, solange ich mache, was mir Spaß macht. Wenn sich Menschen mit meiner Arbeit identifizieren und sie anerkennen, Es ist okay für mich.
Wie sehen Sie Ihre zukünftige Arbeit?? Alles, was Sie erwarten können?
Bezüglich meiner zukünftigen Kreationen, Ich weiß, dass es noch viele Wege geben wird, denen man folgen muss, und ich werde an meinen Prinzipien festhalten. Jedes Stück – und das war schon immer so – muss für sich selbst sprechen. Thematisch ist die Bemalung von Objekten bisher noch nicht erschöpft, aber ich kann mir vorstellen, dass das nicht so bleiben wird. Ich kann mir nicht vorstellen, meine Arbeit zu wiederholen. Die Art und Weise, wie ein Künstler arbeitet oder kreiert, hängt in hohem Maße von seinem Charakter und der Atmosphäre ab, in der er sich entwickelt. Neue Motive werden kommen, Kurven werden spürbar sein, aber das Wesentliche muss sich nicht ändern. Ich hatte immer vor, meine Arbeiten sammelbar zu machen, unverwechselbar, dass Menschen, die eines meiner Bilder an die Wand hängen, dies nicht nur tun, um eine leere Stelle zu füllen, dass sie darin das Werk des Künstlers widergespiegelt sehen, dass sie das Gefühl haben, dass ich große Anstrengungen unternommen habe, bevor ich es unterschrieben habe, dass sie den menschlichen Teil darin finden. Ich habe mir immer gewünscht, dass meine Arbeit in meinem Land anerkannt wird – welches Geschenk könnte besser sein als das?? – aber das kann nur mit harter Arbeit erreicht werden, also höre ich nicht auf. Auf internationaler Ebene, Es ist der Traum eines jeden Künstlers, dass seine Werke um die Welt gehen und gute Kritiken erhalten. Aber es hat keinen Sinn, ständig zu träumen, entweder. Man sollte einen Fuß in die Wolken und den anderen auf den Boden setzen, aber solange man arbeitet und motiviert bleibt, erschaffen und tun, was man gerne tut, nichts ist unmöglich.
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Katalog zur Ausstellung UNBOXING
