Milian-Äxte – FRAGMENTE –

AUSSTELLUNGSKONZEPT DES KÜNSTLERS
– Havanna, 2017 –

In einem Netzkunstwerk, in dem sich die Räume von Kunst und Leben vermischen, das italienische Paar, bekannt als 01 enthüllten ihr Privatleben auf einer Website, die es den Benutzern ermöglichte, zu sehen, was sie in diesem Moment taten, unabhängig von der Tages- oder Nachtzeit. Mit dieser Geste bringen sie das Thema Privatsphäre im Internetzeitalter auf den Tisch, das eigene Leben als Kunstwerk betrachten .

Ähnlich, Die Aufzeichnung der Zeit in Tagebüchern und das Bedürfnis des Menschen, eine schriftliche Erinnerung an die Ereignisse zu hinterlassen, die sein Leben prägen, veranlassten OnKawara, das künstlerische Produkt als Aufzeichnung zu verwenden: ein Dokument des Lebens des Künstlers mit Daten, die für diejenigen irrelevant sein könnten, die mit dem Ereignis, das sie markierten, nicht vertraut waren.

Die Debatte zwischen privat und öffentlich , sowie die Arbeit, die als „intim“ gilt, existenziell, oder selbstreferenziell sind Konzepte, die vielfach aus unterschiedlichen Blickwinkeln thematisiert wurden. Doch – und trotz der großen Hinwendung zu Themen, die die aktive Einbindung des Einzelnen in die Gesellschaft zunehmend verspotten – hat das Leben des Künstlers als Teil seines Schaffens nicht aufgehört, Interesse zu wecken.

Es ist eine unbestreitbare Tatsache, dass jeder, der ein Produkt erfindet (ob künstlerisch oder nicht) beginnt als Einzelperson . Aufgrund dieser Bedingung, die jedem schöpferischen Akt innewohnt, die Arbeit ist unweigerlich von den Erlebnissen durchdrungen, philosophische Konzepte, Überzeugungen, und Haltungen desjenigen, der es hervorbringt, und deshalb, mehr oder weniger stark, Jedes Werk kann als „selbstreferenziell“ betrachtet werden.

Andererseits, das Kunstwerk, das über sich selbst reflektiert (oder Metadiskurs) ist ein Thema, das sich der Erforschung der Natur des künstlerischen Produkts widmet. Der am meisten erforschte Bereich betrifft möglicherweise die Mittel, mit denen die Kunst ihre Botschaft vermittelt, und daher wurde die Auseinandersetzung mit dem Medium zum Leitmotiv eines Großteils der symbolischen Produktion der vergangenen Jahrzehnte. Und aller erforschten Medien, Man könnte sagen, dass die Malerei diejenige war, die ihre eigenen diskursiven Fähigkeiten am meisten ausnutzte . So sehr, dass die symbolische Entleerung, die Malewitschs Suprematismus und Andy Warhols Pop-Art mit sich brachten (z.B. Weiß auf Weiß und die endlosen Campbell-Suppendosen) kündigte den bevorstehenden Tod der Malerei an. Dennoch, Malerei existierte weiterhin , und das war das Überraschendste von allem.

Noch heute wird nach den Möglichkeiten und Diskursen des Mediums Malerei gesucht , und das, obwohl dieses Thema aus semiotischer Sicht überstrapaziert wurde, oder sogar von seinem formalen Aspekt, Viele Seiten des Phänomens sowie interpretative Lesarten können immer noch mit Energie versorgt werden.

Aus dieser tollen Ideenmischung (Beziehung zwischen Kunst und Leben, Monographien, öffentlich-privater Raum, die Reflexion der Malerei auf sich selbst) Ich habe diesen vielleicht chaotischen Vorschlag entwickelt, um zu zeigen, wie ich der Öffentlichkeit meine intime Natur mit größtmöglicher Aufrichtigkeit offenbare. In der Debatte, die Diskurse aus verschiedenen Perioden meiner Schaffensgeschichte vermischt, die Stücke werden willkürlich präsentiert, dezentriert, ohne jegliche logische Reihenfolge. Dieses Beispiel (und ich schreibe Probe, weil es weder eine Ausstellung noch ein offenes Studio ist , fertig, standortspezifisch, oder Umgebung, und doch ist es das alles zugleich) kann zu Sehstörungen führen, Ermüdung, und Verwirrung. Die Werke wurden nicht zur Lektüre ausgestellt; Sie werden nicht auf herkömmliche Weise „kuratiert“, sondern im Raum präsentiert, so wie sie konzipiert wurden. Wenn sie auf den Boden gemalt wären, auf einer Treppe, Vor dem Ventilator oder auf einer Staffelei getrocknet – so werden sie im symbolischen Raum der Galerie gezeigt. Und ich bezeichne die Galerie als symbolischen Raum, weil wir genau wissen, dass die Galerie irgendwann einmal ein validierender Raum war, Es handelt sich nun um einen neutralen Raum, der je nach den Umständen formal oder alternativ gestaltet werden kann (Der Raum bestätigt die Arbeit nicht, Das Werk konstruiert den Raum).

Der Vorschlag wird durch die Übersättigung mit Informationen in der heutigen Gesellschaft unterstützt , und nutzt als Referenz die Beliebigkeit des Internets. Es entstand ein Ensemble, bei dem das eine nicht unbedingt mit dem anderen zu tun hat, da es zu einem Bombardement verschiedener, nicht zusammenhängender Daten kommt. Genauso wie im Web , Es ist möglich, das Motto eines Umweltgipfels zu finden, eine Einladung zum Besuch einer Porno-Website, oder evangelische Propaganda erhalten.

Ebenfalls , Jedes Stück der Show konkurriert mit dem Rest des Ensembles darum, die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf sich zu ziehen – um Priorität einzufordern. Ablenkung, ein bestimmendes Element des kreativen Prozesses und des eigenen Lebens des Künstlers, wird der Öffentlichkeit nun mit der gleichen verfremdenden Kraft gezeigt, mit der es abgewichen ist, erleichtert, die Erreichung der Arbeiten verhindert oder gar verhindert. Sie werden dann zu derselben Ablenkung, deren Opfer sie irgendwann waren, den Zuschauer „angreifen“., forderte seine Mitschuld und Energie.

Wiederum, Der Malgrund wird zum Memorandum, ein Tagebuch, in dem ich Dinge aufschreibe, die ich beim Malen nicht vergessen kann. Ich füge auch Bilder aus Veröffentlichungen ein, die ich auf Facebook gepostet habe, sowie Notizen, die mit meinem Tagesablauf zu tun haben . Und wenn das nicht genug wäre, Auch die Oberfläche des Gemäldes wird zur Palette, Ich mische auf der bereits bemalten Leinwand die Farben, die ich für mein nächstes Gemälde verwenden werde, in einer Geste, die vielleicht an „Vomitaction“ von Gunter Brus erinnert. Somit, Durch die Wiederverwendung oder das Recycling des Werks wird ein neues Konzept in das Ensemble eingebracht, in dem ich auf die Funktionalität des Kunstwerks zurückkomme, die Wiederzirkulation von Informationen im künstlerischen Produkt, und wo ich auch Zweifel am Zweck der symbolischen Produktion aufkommen lasse, das berühmte „Ziel, das die Mittel heiligt“.

Man könnte Jeff Koons erwähnen, Takashi Murakami, Das ist Parker, und Guillermo Kuitca als Vorläufer dieser Werke, Letzteres, weil er die Oberfläche der Leinwand in ein Tagebuch seines Lebens verwandelte; Er benutzte es anschließend als Tischdecke auf seinem Arbeitstisch, und markiert mit jedem dieser Stoffe eine bestimmte Zeit seines täglichen Lebens.

Viele Konzepte wurden aufgrund der scheinbaren Inkohärenz oder Unordnung dieses Vorschlags mit Chaos und Willkür gehandhabt, Aber am wichtigsten ist letztendlich der Wunsch, mein Leben in seiner ganzen Dimension zu offenbaren, indem ich subtile Empfindungen wie Kälte übertrage, Angst, zweifeln, oder Fieber für die Öffentlichkeit. Das sagt direkt meine Vorstellung davon aus, was Kunst sein sollte; des Konzepts, dass das, was nicht gesehen wird, genauso wichtig oder wichtiger ist als das Endergebnis, in Anlehnung an das alte orientalische Sprichwort: Das Wichtigste ist nicht das Ende des Weges, sondern die Straße selbst.

Das Leben ist eine ständige Theoriebildung über sich selbst. Sich hinzusetzen, um über Ablenkung zu sprechen, ist auch Ablenkung, und daher führt die Auseinandersetzung über dieses Phänomen zu der sinnlosen Tatsache, dass wir ständig einem Simulakrum ausgesetzt sind, dessen einziger Zweck darin besteht, uns von dem abzulenken, worauf wir uns im Leben konzentrieren sollten . Die Ablenkung der Massen, von den Machtzentren erzeugt, beginnt mit der Ablenkung des Einzelnen, Und diesen Aspekt wollte ich in dieser Ausstellung zeigen.

Jedoch, Mein oberstes Ziel ist es, dass die Arbeit zu einem ablenkenden Element wird, Damit identifiziert er die Kunst als Förderer schlechthin der Ablenkung innerhalb der Gesellschaft.

Ohne einen praktischen und nützlichen Zweck für den Menschen, Kunst war schon immer ein symbolisches Gut, mit dem unzählige Menschen ihr Leben verbracht haben, ohne eine Schlussfolgerung über deren Natur und Verlauf zu ziehen. Und trotz der vielen Versuche, dem künstlerischen Produkt eine nützliche Bedeutung zu verleihen (Als eines der besten Beispiele könnte man den Artivismus nennen ), Seine Sterilität ist noch nicht zu mehr als einem Vorwand geworden, den einige zur Unterhaltung nutzen, amüsieren, Zweifel erzeugen, verwechseln, und im besten Fall konfrontieren, was aber nie ein konkretes Problem löst. Es muss auch keines gelöst werden.

Dieser Denkrichtung folgend, Ich kann daraus schließen, dass die Erforschung und das Studium der Kunst nur einen symbolischen Beitrag leistet, denn die Bedeutung eines Werkes wie unseres ist völlig illusorisch, fiktiv, und unterstellt.

Genauso wie pädagogisches Design auf Ablenkung ausgerichtet ist, Kunst ist auch Ablenkung, und daher der vorliegende Text (von dem einen benötigt wird, um den anderen zu erklären/rechtfertigen) ist von diesem komplexen Schema keineswegs auszuschließen. Sich hinzusetzen, um einen Text wie diesen zu schreiben, bedeutet, die Aufmerksamkeit von dringenden Bedürfnissen abzulenken , Zeit für Untersuchungen und Theorien aufwenden, entfremden. Jedoch , wenn es nur eine konzeptionelle Unterstützung für denjenigen ist, der es als Ausgangspunkt für die vorliegende Ausstellung schreibt, Umso schlimmer wird es für diejenigen sein, die unnötigerweise versuchen, darüber zu streiten, ohne zu erkennen, dass Theorie eine der vielen Verkleidungen ist, mit denen Ablenkung Menschen in die Falle lockt.