Onay rosquetes
Entrevista realizada por Virginia Alberdi – la Habana, diciembre 2016
ONAY rosquetes – AUTO RETRATO
Los jóvenes tienen una posición destacada en el arte cubano contemporáneo.; son la vanguardia en las diferentes formas de expresar el arte y tienden a participar en todo tipo de tendencias. El trabajo de Onay Rosquet, que inicialmente se centró en los personajes y luego en los objetos cuidadosamente reproducidos en sus dibujos y pinturas, atrae la atención de una manera extraordinaria. En su primera serie sobre objetos parecían solitarios., abandonado, pero cargado de nostalgia que reveló mucho sobre ellos. En el presente, el joven pintor, retratando acumulaciones de objetos, construye historias organizando los objetos en un nuevo contexto. Estas colecciones no son casuales.; son el resultado de un proceso de selección sensual e intelectual de su memoria afectiva.
El artista no sigue grupos ni tendencias., ni se ajusta a las pautas preconcebidas ni obedece los decretos del mercado del arte y no cumple con las preferencias de los sectores que marcan el curso de la actividad artística. Onay no produce, él crea, y los resultados de estas creaciones lo distinguen de sus compañeros. Él llega a articular una fábula, transmitir un estado mental, evocar un momento, mientras oblicuamente se refiere a tensiones y eventos sociales. Un mérito loable de él es mirar un mundo de elementos que habla por sí mismo desde su presencia silenciosa.. Todo se logra mediante una implementación cuidadosa porque no escatima en rigor al reproducir ese mundo que transfiere al lienzo y lo transforma en arte refinado.
¿Cómo logró él tal proposición?? ¿Cómo encontró gradualmente una voz propia que le permitiera comunicar lo que quería?? Esta reciente entrevista ofrece algunas aclaraciones valiosas.
¿Cómo surgió tu vocación por el dibujo y la pintura??
De niño me gustaba dibujar; Traté de copiar objetos y personas., cosas que me rodeaban. También me gustó cuando otros dibujaban, particularmente cuando lo hicieron para divertirme. Definitivamente me atrajo dibujar más que otros niños. En mi caso, andando el tiempo, dejó de ser un hobby y se convirtió en una necesidad. Me sentí tan obligado a dibujar y pintar que se convirtió en parte de mi identidad personal.. Luego, poco a poco, con el trabajo y otros elementos que influyeron en mi educación, gradualmente se convirtió en una profesión. Tengo referencias artísticas en la familia, pero no en el contexto de las artes visuales. Mi familia no se involucró en el mundo de la pintura., y, Como he mencionado antes, Elegí dibujar y pintar porque me emocionaba. Por supuesto, mi familia siempre me apoyó y aprobó mis decisiones; eso es muy importante en la vida de un artista, particularmente al principio, cuando en la mayoría de los casos casi todo es muy difícil.
¿Cuáles fueron tus primeras experiencias profesionales en el arte??
Empecé pintando retratos, influenciado por la escuela holandesa del siglo 17. Rembrandt fue el artista que más me llamó la atención., su paleta era muy gris y oscura, mi conocimiento de la historia del arte era muy incompleto en ese momento. Mi vida recibió un giro cuando comencé a trabajar en el Taller de Gráfica Contemporánea (Studio of Contemporary Graphics), desde que era un artista autodidacta. Allí tuve, por primera vez, la posibilidad de aprender las diferentes técnicas de grabado, como la serigrafía, litografía, colagrafía, y calcografía. También fue mi primera oportunidad de conocer personas que compartían mis intereses.. Hice muy buenos amigos; todo el tiempo discutimos cómo lograr un tono de color o sobre participar en exposiciones colectivas. A menudo debatíamos sobre los eventos de arte contemporáneo y sentí que pertenecía a un lugar como ese. Como resultado, gradualmente me interesé en el trabajo de varios artistas cubanos ya establecidos que todavía están activos., como Roberto Fabelo por su dibujo excepcional y Tomás Sánchez, particularmente en su serie Basureros (Botaderos de basura); este último tenía una influencia particular en mi trabajo. A partir de entonces comencé a organizarme y a trabajar en series., como disciplina. En ese periodo hice mi primera exposición, intitulado Fundición, y un segundo, Oros viejos (Oros viejos), sin interrumpir mis actividades durante el día en el estudio. Por las noches pintaba en casa y no estaba cansado o abrumado porque me gustaba lo que estaba haciendo..
¿Qué temas te han interesado en el arte?? En tu caso, ¿Podríamos hablar de una evolución desde su primera exposición??
Fundición era una galería de retratos; en ella recreé figuras de los medios, músicos, Presentadores de televisión, personas que el público podría identificar. Mi idea era presentarlos en pinturas al óleo como personajes de otro siglo., usando ropa de ese período y, por supuesto, El ambiente de pinturas de siglos anteriores. Visto por completo, el trabajo parecía ser una secuencia de una obra de teatro, y realmente me gustó el resultado. Luego, en un punto, el retrato ya no cumplió mis expectativas que tenía en la pintura, así que decidí explorar el tema de los objetos. Esta idea dio a luz a Oros viejos (Oros viejos), una exposición en la que retraté objetos de gran tamaño deteriorados por el tiempo, oxidado y maltratado pero digno, con el fin de recordar su utilidad anterior. Una de las piezas, Llaves sobre el lienzo (Claves en el lienzo), estaba fuera de lugar allí, pero me llevó a otro tema: La acumulación de objetos. Pasé mucho tiempo, casi dos años, pintando y organizando mis ideas, antes de embarcarme en otro proyecto. Como el que no quiere las cosas (Fingiendo indiferencia) surgido en 2016, un escaparate en el que reconocí mi vocación artística y en el que presenté las acumulaciones de objetos de una manera más concreta y al mismo tiempo más extensa y detallada. En esta exposición, además de las pinturas al óleo, también me aventuré por primera vez en el mundo de las instalaciones., algo que hubiera sido imposible diez años antes debido a la forma en que pensaba en ese momento.
Cuando miro hacia atrás a los caminos que he seguido para lograr lo que estoy haciendo hoy, no me arrepiento de nada.. De lo contrario, Siento que siempre hice lo que debía y podía. Veo en mí mismo una evolución que de ninguna manera ha sido impuesta por las tendencias de moda que van y vienen., ni por las tentaciones del mercado. Creo que esto ha sucedido en parte por mi forma de ser y mi constante búsqueda de estímulo para mi creación.. Lamentablemente, no tuve un mentor que seguir que podría haberme guiado a los puntos de partida. A menudo encontraba a mis maestros e influencias en libros o museos., y sobre esos construí gradualmente mi propia identidad.
¿Hasta qué punto es su obsesión con los objetos una evocación nostálgica?? ¿Cómo asumes el paso del tiempo como sujeto de pinturas??
Es inevitable sentir nostalgia frente a cada uno de los objetos que pinto., actúan como modelos y me ayudan mucho a componer y representar lo que quiero. Se puede decir que contienen mucha expresión en sí mismos.. Si estas cafeteras, perchas viejas, lavadoras y ventiladores podían hablar, pasaríamos mucho tiempo escuchándolos. La atmósfera nostálgica y evocadora que rodea tales objetos hace que las personas se queden quietas ante ellos., identificarse con ellos y comenzar una especie de diálogo con su memoria, Reconstruyendo sus propias historias que no son necesariamente las que he tratado de mostrar. Esto es algo muy positivo para mi.
¿Con qué audiencia te identificas?? ¿Toma en cuenta al espectador cuando pinta??
Creo que la forma de arte en mi trabajo es accesible para audiencias muy diversas., Cubanos y no cubanos, hombres y mujeres, adultos y jóvenes. No inventé la acumulación de objetos; Muchos artistas cubanos que admiro en algún momento o en algunas de sus obras manejaron el tema; por ejemplo Pedro Pablo Oliva, Nelson Domínguez and Tomás Sánchez. En otras palabras, el tema no está lejos de mis raíces. Pero una cosa es ser influenciado y otra ser copista. Creo que he logrado delimitar esos espacios.. Sin sentirme atado a una historia, he estado trabajando para crear mi propio sello como artista.. Hay una fuente adicional de inspiración a tener en cuenta. A medida que avanza el siglo XXI, el consumismo se ha fortalecido, también lo ha hecho la pérdida de memoria. Pintar objetos que nos fueron útiles es una forma de recuperar la conciencia del paso del tiempo., de saber lo que éramos para saber lo que somos. Es un tema que trasciende las artes visuales..
Cuéntame sobre los aspectos internos del proceso creativo.. ¿Dónde se encuentra el dibujo en tu trabajo??
El dibujo siempre ha sido la base de la pintura.. Comienzo una nueva pintura visualizando una nueva idea – la composición y los objetos que usaré – en mi cabeza, en el siguiente paso dibujo. Este proceso no puede ser apresurado, toma el tiempo que necesita. Cualquier error en esta primera fase será difícil de ocultar., por eso le dedico mucha atención. Después de completar el dibujo sobre lienzo., Sé cómo será el trabajo en su tamaño real y puedo dormir tranquilo.
El siguiente paso es pintar. La técnica del aceite es con la que siempre he trabajado y con la que me siento más cómoda.. Creo que la magia y la calidez del aceite son inalcanzables por cualquier otra técnica.; mientras que, como siempre, uno tiene que usar buenos materiales y saber cómo usarlos. Pinto casi todos los días, desde la mañana hasta la tarde, a veces hasta la noche, pero después de dos o más horas de pintura me gusta alejarme y mirar la pintura desde la distancia, Me tomo mi tiempo para observar y pensar. En ocasiones dejo de pintar y me olvido de la pieza, y en la noche, cuando lo veo, Noto cosas que no había visto antes y las arreglo porque los colores todavía están frescos en la paleta; eso solo es posible con pintura al óleo. Creo que mi historia de amor con el petróleo no se puede romper.
¿Cómo te pareces o difieres de los artistas de tu generación??
El arte joven se ha caracterizado por querer ser vanguardista, un arte en plena efervescencia. Casi siempre son los jóvenes como nosotros los que queremos hacer la mayor cantidad de exhibiciones para mostrar lo que somos capaces de decir o hacer.. Tenemos sangre caliente. Por supuesto, ese es mi punto de vista personal y no contradice los preceptos que he seguido. Me dedico a las buenas actuaciones., a lo estéticamente impecable, a preciosos detalles. No sé si esa percepción me distingue de mis contemporáneos o si simplemente pienso de manera diferente con respecto a las pinturas que hago. Quizás algunos de ellos piensan que mi trabajo es más conservador debido al valor que otorgo a la artesanía de dibujo y pintura.. Asi es como soy, y lo disfruto mucho. Uno debe hacer lo que quiere y siente; por ejemplo, en este momento podría hacer un trabajo abstracto o conceptual y seguramente sentiría un vacío, como si me estuviera engañando a mí mismo. Quizás en cinco o diez años eso podría cambiar. Nadie permanece estático. Así que no tengo que preocuparme mientras haga lo que me gusta. Si las personas se identifican con mi trabajo y lo reconocen, esta bien conmigo.
¿Cómo ves tu trabajo futuro?? Cualquier cosa que puedas anticipar?
Sobre mis futuras creaciones, Sé que habrá muchos caminos por seguir, y me atendré a mis principios. Cada pieza, que siempre ha sido el caso, tendrá que hablar por sí misma. Temáticamente no hay agotamiento en la pintura de objetos hasta el momento, pero me imagino que no se quedará así. No me puedo imaginar repitiendo mi trabajo. La forma en que un artista trabaja o crea depende en gran medida de su carácter y la atmósfera en la que se desarrolla.. Nuevos motivos vendrán, los giros serán notables, pero la esencia no tiene que cambiar. Siempre tuve la intención de hacer mi trabajo coleccionable, distintivo, que las personas que cuelgan una de mis pinturas en su pared no lo hacen solo para llenar un espacio vacío, que ven el trabajo del artista reflejado en él, que sienten que le dediqué un gran esfuerzo antes de firmarlo, que encuentran la parte humana en ella. Siempre he deseado que mi trabajo sea reconocido en mi país; qué regalo podría ser mejor que eso? - pero esto solo se puede lograr con trabajo duro, así que no me detengo. A nivel internacional, Es el sueño de todo artista que su trabajo dé la vuelta al mundo y obtenga buenas críticas.. Pero no tiene sentido soñar todo el tiempo, ya sea. Uno debe poner un pie en las nubes y el otro en el suelo, pero mientras uno trabaje y siga motivado, creando y haciendo lo que a uno le gusta hacer, nada es imposible.
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