Osy Milian – Fragmentos –

CONCEPTO DE EXPOSICIÓN DEL ARTISTA
– la Habana, 2017 –

En una pieza de Net Art en la que se entremezclan los espacios del arte y la vida, la pareja italiana conocida como la 01 expuso su vida privada en un sitio web que permitía a los usuarios ver lo que estaban haciendo en ese momento, independientemente de la hora del día o de la noche. Con ese gesto pusieron sobre la mesa el tema de la privacidad en la era de internet, tratar su propia vida como una obra de arte .

similar, el registro del tiempo en diarios y la necesidad del hombre de dejar la memoria escrita de los hechos que marcan su vida llevaron a OnKawara a utilizar el producto artístico como registro: un documento de la vida del artista con fechas que podrían ser irrelevantes para quienes no estaban familiarizados con el evento que estaban marcando.

El debate entre lo público y lo privado , así como el trabajo considerado "íntimo", existencial, o autorreferencial son conceptos que se han abordado muchas veces desde diversos puntos de vista. Sin embargo, y a pesar del gran movimiento en los últimos tiempos del arte hacia temas que ridiculizan cada vez más la participación activa del individuo en la sociedad, la vida del artista no ha dejado de despertar interés como parte de la obra que crea..

Es un hecho incuestionable que cualquiera que conciba cualquier producto (artístico o no) comienza como un individuo . Debido a esta condición inherente a todo acto creativo, el trabajo está inevitablemente impregnado por las experiencias, conceptos filosóficos, creencias, y posturas de quien lo produce, y por lo tanto, en mayor o menor medida, cada obra puede considerarse "autorreferencial".

Por otro lado, la obra de arte que se refleja en sí misma (o meta-discurso) es un tema que se ha dedicado a investigar sobre la naturaleza del producto artístico. El área más explorada ha sido quizás la relativa a los medios que emplea el arte para transmitir su mensaje., y, por tanto, la indagación sobre el medio se convirtió en el leitmotiv de gran parte de la producción simbólica de las últimas décadas.. Y de todos los medios explorados, se podría decir que el que más explotó sus propias capacidades discursivas fue la pintura . Tanto así, que el vacío simbólico que conlleva el suprematismo de Malevich y el arte pop de Andy Warhol (p.ej. Blanco sobre blanco y las interminables latas de sopa Campbell) anunció la inminente muerte de la pintura. Sin embargo, la pintura siguió existiendo , y ese fue el mas sorprendente de todos.

Hoy en día aún existe una búsqueda sobre las capacidades y discursos de la pintura como medio. , y aunque este tema ha sido sobreexplotado desde el punto de vista de la semiótica, o incluso desde su aspecto formal, muchos lados del fenómeno, así como las lecturas interpretativas, aún pueden energizarse.

De entre esta gran mezcla de ideas (relación arte-vida, monografías, espacio publico-privado, reflejo de la pintura de sí misma) He desarrollado esta propuesta quizás caótica para mostrar cómo estoy revelando mi carácter íntimo al público con la mayor sinceridad posible.. En el debate que mezcla discursos de distintas épocas de mi historia creativa, las piezas se presentan arbitrariamente, descentrado, sin ningún orden lógico. Esta muestra (y escribo muestra porque no es exposición ni estudio abierto , confeccionado, sitio específico, o medio ambiente, y sin embargo es todo eso al mismo tiempo) puede causar problemas visuales, fatiga, y confusión. Las obras no se han mostrado para permitir su lectura.; no están "comisariados" de la manera tradicional, sino que se presentan en el espacio tal como fueron concebidos. Si estuvieran pintados en el suelo, en una escalera, Secados frente a un ventilador o sobre un caballete, así se mostrarán en el espacio simbólico de la galería.. Y me refiero a la galería como espacio simbólico porque bien sabemos que si en algún momento la galería fue un espacio de validación, ahora es un espacio neutral que puede volverse formal o alternativo según las circunstancias (el espacio no valida el trabajo, el trabajo construye el espacio).

La propuesta se sustenta en esa sobresaturación de información presente en la sociedad actual , y utiliza como referencia la arbitrariedad de Internet. Creó un conjunto en el que una cosa no necesariamente tiene que ver con la otra., ya que se convierte en un bombardeo de diversos datos no relacionados. De la misma forma que en la web , es posible encontrar el lema de una cumbre ambiental, una invitación para visitar un sitio web pornográfico, o recibir propaganda evangélica.

Igualmente , Cada pieza del espectáculo competirá con el resto del conjunto para llamar la atención del espectador, para exigir prioridad.. Distracción, un elemento determinante del proceso creativo y de la propia vida del artista, ahora se muestra al público con la misma capacidad alienante con la que se desvió, facilitado, o incluso impidió la realización de las obras. Luego se convierten en la misma distracción cuyas víctimas fueron en algún momento, para "atacar" al espectador, exigiendo su complicidad y energía.

En turno, la superficie de la pintura se convierte en un memorándum, un diario en el que escribo cosas que no puedo olvidar cuando estoy pintando. También incluyo imágenes de publicaciones que publiqué en Facebook., así como notas relacionadas con mi rutina diaria . Y si eso fuera poco, la superficie de la pintura también se convierte en una paleta, mezclando en el lienzo ya pintado los colores que usaré para mi próximo cuadro, en un gesto que quizás recuerda a “Vomitaction” de Gunter Brus. Por lo tanto, la reutilización o reciclaje de la obra introduce un nuevo concepto en el conjunto, en el que vuelvo a la funcionalidad de la obra de arte, la recirculación de información en el producto artístico, y donde también introduzco una duda con respecto al propósito de la producción simbólica, el famoso "fin que justifica los medios".

Se podría mencionar a Jeff Koons, Takashi Murakami, Parker Ito, y Guillermo Kuitca como antecedentes de estas obras, el último mencionado porque convirtió la superficie del lienzo en un diario de su vida; usándolo luego como mantel en su mesa de trabajo, y marcando un momento concreto de su vida diaria con cada uno de estos tejidos.

Muchos conceptos se han manejado con caos y arbitrariedad en la aparente incoherencia o desorden de esta propuesta., pero lo más importante es en definitiva el deseo de revelar mi vida en toda su dimensión transmitiendo sensaciones sutiles como la frialdad, ansiedad, duda, o fiebre al publico. Esto habla directamente de mi idea de lo que debería ser el arte.; del concepto de que lo que no se ve es tan importante o más que el resultado final, haciéndose eco del viejo proverbio oriental: Lo importante no es el final del camino, pero el camino mismo.

La vida es una teorización constante sobre sí misma.. Sentarse a hablar sobre distracciones también es distracción, y por lo tanto discutir sobre ese fenómeno conduce a la inutilidad de estar constantemente sometidos a un simulacro cuyo único propósito es distraernos de aquello en lo que debemos enfocarnos para vivir. . La distracción de las masas, generado por los centros de poder, comienza por la distracción del individuo, y es ese aspecto el que quería mostrar en esta exposición.

sin embargo, mi objetivo final es que el trabajo se convierta en un elemento distractor, identificando así al arte como promotor por excelencia de la distracción dentro de la sociedad.

Sin un propósito práctico y útil para el ser humano, El arte siempre ha sido una mercancía simbólica en torno a la cual innumerables personas han consumido sus vidas sin llegar a una conclusión sobre su naturaleza y curso.. Y a pesar de los muchos intentos de otorgar un significado utilitario al producto artístico (se podría citar el artivismo como uno de los mejores ejemplos ), su esterilidad aún no se ha convertido en algo más que un pretexto utilizado por algunos para entretener, entretener, producir duda, confundir, y confrontar en el mejor de los casos, pero que nunca resuelve ningún problema concreto. Tampoco necesita resolver ninguna.

Siguiendo esta tendencia de pensamiento, Puedo concluir que la investigación y el estudio del arte solo hace una contribución simbólica, ya que la importancia de una obra como la nuestra es totalmente ilusoria, ficticio, e imputado.

De la misma forma que el diseño educativo se dirige a la distracción, el arte también es distracción, y por lo tanto el presente texto (requerido por uno para explicar / justificar el otro) no debe ser excluido de este complejo esquema. Sentarse a escribir un texto como este implica distraer la atención de necesidades urgentes , dedicar tiempo a investigar y teorizar, enajenar. sin embargo , si es solo soporte conceptual para quien lo escribe como punto de partida para la presente exposición, será aún peor para aquellos que intentan discutir innecesariamente sobre ello sin darse cuenta de que la teoría es uno de los muchos disfraces que utiliza la distracción para atrapar a la gente..